Die 15 wichtigsten Theaterfunktionen

Die wichtigste Theatermerkmale Sie stehen in engem Zusammenhang mit den Elementen, die jeder Arbeit oder Leistung gemeinsam sind.

Der Begriff Theater hat seinen Ursprung im griechischen Wort Theatron, was einen "Ort zum Schauen" bedeutet. Ursprünglich bezog sich Theater daher sowohl auf einen Ort als auch auf eine bestimmte Form der Wahrnehmung. Heutzutage kann sich der Begriff Theater auf Folgendes beziehen: ein Gebäude, eine Aktivität ("gehen" oder "Theater machen"), eine Institution und eine Kunstform.

Das Theater ist der Zweig der szenischen Kunst, der sich auf die Aufführung und Darstellung von Geschichten vor einem Live-Publikum bezieht und eine Kombination aus Reden, Gesten, Kulissen, Musik, Klängen und Spektakel verwendet, die den Zuschauer anregen und anregen sollen.

Der Geist spielt auch eine wichtige Rolle im Theater, da dieser künstlerische Ausdruck entsprechend der Wahrnehmung und Vorstellung des Zuschauers entschlüsselt wird.

Alle Stücke haben gemeinsame Elemente, die diese Kunst auszeichnen. Als Nächstes werden Sie die herausragendsten Funktionen genauer sehen können.

15 charakteristische Elemente des Theaters

1- Plot

Es ist, was in der Arbeit passiert. Es bezieht sich auf die Aktion. Die Organisation von Veranstaltungen oder die Auswahl und Reihenfolge von Szenen in einem Theaterstück. Nach Aristoteles ist es ein abstrakter Begriff, der sich auf die Disposition der Ereignisse bezieht, die das Rohmaterial und die Bestandteile der Geschichte bilden.

Die Handlung ist die Art und Weise, in der diese Vorfälle in einem zusammenhängenden Ganzen strukturiert sind. Wenn die Anordnung der ursprünglichen Reihenfolge geändert wird, wird ein neuer Rahmen erzeugt. Im Theater überwiegen zwei Arten von Grundstücken. Unten, seine Hauptmerkmale und Unterscheidungselemente:

Auflösungsbildschirm

• Die Handlung beginnt spät in der Geschichte, näher am Ende oder Höhepunkt.
• Es umfasst eine kurze Zeitspanne.
• Es enthält ein paar solide und erweiterte Szenen.
• Tritt in einem eingeschränkten Ort, einem Raum oder einem Haus auf.
• Die Anzahl der Zeichen ist stark eingeschränkt.
• Es gibt wenige sekundäre Frames.
• Die Aktionslinie verläuft in einer Kette von Ursache und Wirkung. Die Charaktere und Ereignisse sind in einer Folge logischer Entwicklung eng miteinander verbunden, fast unvermeidlich.

Komplott der Offenbarung

• Die Handlung beginnt relativ früh in der Geschichte und bewegt sich durch eine Reihe von Handlungen.
• Es deckt lange Zeiträume ab.
• Viele kurze und fragmentierte Szenen oder der Wechsel zwischen kurzen und langen Szenen.
• Es kann eine ganze Stadt oder sogar mehrere Länder abdecken.
• Fülle von Zeichen.
• Häufig markiert durch mehrere Handlungsstränge, mehrere parallele Geschichten.
• Die Szenen sind miteinander verbunden. Ein Ereignis kann mehrere Ursachen haben oder keine offensichtliche Ursache, aber es entsteht in einem Netzwerk von Umständen.

2- Thema

Während sich die Handlung auf die Handlung der Arbeit bezieht, bezieht sich das Thema auf die Bedeutung der Arbeit. Manchmal ist dies im Titel deutlich angegeben.

Andere Male kann es durch Dialog von einem Charakter erklärt werden, der als die Stimme des Dramatikers fungiert. Manchmal ist das Thema weniger offensichtlich und entsteht erst nach der Analyse des Inhalts der Arbeit.

3 Zeichen

Sie sind die Menschen, Tiere oder Ideen, die von den Akteuren in der Arbeit vertreten werden. In struktureller Hinsicht sind die Charaktere die Handlungsagenten, die die Motivation für Ereignisse in der Handlung liefern.

Jeder Charakter muss seine eigene Persönlichkeit, Alter, Aussehen, Überzeugungen, sozioökonomischen Hintergrund und Sprache haben. Entsprechend ihrer Funktionen in der Arbeit können einige Arten von Charakteren skizziert werden:

• Protagonist: Die Hauptfigur.
• Antagonistisch: Der Hauptgegner des Protagonisten.
• Gegenstücke: Zeigen Sie einige Aspekte des Hauptcharakters, indem Sie ähnliche oder andere Umstände oder Verhaltensweisen haben.

4-Skript oder Text

Dies ist der Ausgangspunkt der Theateraufführung. Es ist der Text, durch den das Spiel erstellt wird. Es besteht aus Dialogen, Regieanweisungen, Beschreibungen der Charaktere und ähnlichem in einem Stück. Es bezieht sich auf die Worte des Dramatikers und interpretiert von den Charakteren.

5- Geschlecht

Charakteristische Klasse der Arbeit. Geschlecht kommt von einem französischen Wort, das "Kategorie" oder "Art" bedeutet. Die Wahl des Genres spiegelt die Sichtweise des Autors auf das Thema wider.

Im Theater werden gewöhnlich folgende Arten von Werken vertreten: Tragödie, Komödie, Melodram und Tragikomödie. Jedes dieser Genres kann weiter unterteilt werden nach Stil und Inhalt in:

Tragödie

Es ist eine Imitation einer Handlung, die ernst, komplex und relevant ist. Die Tragödie ist in ihrem Gegenstand von Natur aus ernst und geht auf tiefe Probleme ein. Diese tiefen Probleme sind universell und wecken Mitgefühl und Angst im Publikum, indem sie die Handlung bezeugen.

Komödie

Es hat die Vision, das Publikum zum Lachen zu bringen, es ist normalerweise körperlich und energetisch. Das Verhalten der dargestellten Charaktere ist lächerlich und manchmal absurd. Es stimuliert im Publikum eine Korrektur des Verhaltens der Gesellschaft.

Melodrama

Es ist das Drama der Katastrophe, Umstände außerhalb der Kontrolle des Protagonisten verursachen die bedeutenden Ereignisse der Handlung. Die Aspekte der Schuld und Verantwortung des Protagonisten sind beseitigt.

Der Protagonist ist ein Opfer von Umständen. Melodrama hat einen strengen Sinn für moralisches Urteilsvermögen. Alle vorgestellten Themen sind klar definiert. Gute Charaktere werden belohnt und böse Charaktere werden bestraft.

Tragikomödie

Es ist eine Reflexion des Lebens selbst, es enthält alle bisherigen Genres. Es hat nicht die Absicht, zu urteilen oder absolute Urteile zu fällen. Es konzentriert sich auf Charakterbeziehungen und zeigt die Gesellschaft in einem kontinuierlichen Fluss.

6- Kostüme und Make-up

Sie sind Elemente, die dazu dienen, die Akteure beim Nachstellen eines Charakters zu charakterisieren.

Kleiderschrank

Es bezieht sich auf die Kleidung und Accessoires, die von einem Schauspieler oder Darsteller auf der Bühne verwendet werden. Die alten Griechen waren die Pioniere bei der Entwicklung spezifischer Kostüme für jeden Charakter, diese Kunst diente der Wiederbelebung des Mittelalters und repräsentiert große Hofmarquisen.

Make-up

Es ist die Verwendung von Kosmetika in der Veränderung der physischen Erscheinung eines Schauspielers, damit sich sein Aussehen an eine bestimmte Rolle anpasst oder die Effekte von szenischer Beleuchtung kompensiert.

Die Kunst des Make-ups wurde durch die Einführung der Elektro- und Gasbeleuchtung revolutioniert und hat sich zu einer hochtechnischen Praxis entwickelt.

7- Beleuchtung und Soundeffekte

Die Platzierung, Intensität und Farbe der Lichter sowie die Soundeffekte helfen dem Regisseur, die Atmosphäre, die Stimmung oder das Gefühl in einer Szene zu vermitteln.

Die Beleuchtung wurde als wichtiges Merkmal der Theaterproduktion anerkannt, als in der Renaissance erstmals Innenaufführungen stattfanden, bei denen Kerzen und brennbare Flüssigkeiten verwendet wurden.

Zu den entscheidenden Neuerungen in der Lichttechnik zählten die Einführung von Stehlampen, der Einsatz von Reflektoren zur Steigerung der Intensität der Lichtstrahlen und die Verdunkelung der Lichter im Zuschauerraum im Jahr 1876.

Die Entwicklung der Gasbeleuchtung zu Beginn des 19. Jahrhunderts war trotz der Gefahren ein wichtiger Fortschritt. Die Verwendung von elektrischem Licht begann 1879 am California Theatre in San Francisco.

Gegenwärtig werden die Beleuchtungssysteme in modernen Theatern durch hochentwickelte Computerplatinen gesteuert, die die Beleuchtung eines gesamten Systems koordinieren können. Andere neuere Innovationen umfassen Experimente mit ultraviolettem Licht, Lasern und Holographie.

Die Soundeffekte sind die Geräusche, die erzeugt werden, um eine Szene in einem Spiel zu begleiten, die von Computern oder von Schauspielern innerhalb und außerhalb der Bühne produziert werden kann.

8- Direktor

Er ist verantwortlich für die totale Einheit der Produktion und koordiniert die Bemühungen der Künstler. Die Arbeit des Regisseurs spielt eine zentrale Rolle bei der Produktion eines Stücks, da der Regisseur die Vision der Produktion für alle Beteiligten festlegt.

Der Regisseur hat die anspruchsvolle Aufgabe, viele komplexe Stücke einer Produktion zusammenzustellen: das Drehbuch, die Schauspieler, die Kostüme, die Beleuchtung, den Klang und die Musik in einem einheitlichen Ganzen. Um diese Aufgabe zu erfüllen, benötigt ein Direktor:

• Interpretieren Sie das Skript
• Arbeite mit den Designern zusammen.
• Planen Sie die Versuche.
• Führen Sie die Schauspieler während der Proben in ihre Arbeit ein.

Die Arbeit des Regisseurs basiert oft auf einer detaillierten Untersuchung und Analyse des Drehbuchs, das Gegenstand der Montage ist. Viele sorgfältige Lesungen des Drehbuchs helfen dem Regisseur, eine individuelle Sicht auf die Absichten des Dramatikers zu entwickeln. Ihre Wahrnehmung wird jeden Aspekt der Produktion beeinflussen.

Die Regisseure studieren auch die Charaktere im Drehbuch und sammeln so viele Informationen wie möglich über ihre physischen und psychologischen Eigenschaften, was für die Auswahl der Auswahl entscheidend ist.

9 - Publikum

Gruppe von Menschen, die die Arbeit sehen. Viele Dramatiker und Schauspieler sind der Ansicht, dass das Publikum das wichtigste Element des Theaters ist, da der Aufwand, ein Stück zu schreiben und zu produzieren, zum Vergnügen des Publikums ist.

Da im Theater die Interpreten in direkter Präsenz mit dem Publikum sind, entsteht ein kreisförmiger Energiefluss, der Schauspieler beeinflusst das Publikum und umgekehrt. Dieser Effekt wird verstärkt durch die Tatsache, dass das Theater ein gemeinschaftliches Ereignis ist.

Die Gruppenerfahrung ist unverzichtbar, da die Gruppe die Emotionen des Einzelnen verstärkt und ein kollektives Gewissen schafft. Wenn eine Gruppe von Individuen ähnlich reagiert wie auf der Bühne, wird ihre Beziehung zu anderen bekräftigt und gestärkt.

Der Grad der Trennung von Besetzung und Publikum unterscheidet das konventionelle Theater vom partizipatorischen Theater.

In der ersten Phase nutzt das Publikum seine Vorstellungskraft, um sich an der Arbeit zu beteiligen, während es sich von der Handlung trennt. In der zweiten Phase interagieren die Schauspieler mit dem Publikum, indem sie versuchen, einem etablierten und improvisierten Skript zu folgen, wobei sie die persönliche Entwicklung oder kollektive Therapie betonen.

Im Theater wird ein Publikum aufgefordert, viele Arten von imaginären Welten zu akzeptieren. Eine Möglichkeit, diese imaginären Bereiche zu unterscheiden, besteht darin, sie in sogenanntes realistisches und unrealistisches Theater zu unterteilen.

Der Realismus, der im späten 19. Jahrhundert zur vorherrschenden Form des europäischen Theaters wurde, versucht das Leben so genau nachzubilden, dass das Publikum davon ausgeht, dass es Leben sein muss. Auf der anderen Seite versucht der Nicht-Realismus, die beobachtete Realität zu transzendieren und den Teil des Lebens, der im Geist existiert, darzustellen.

Es ist jedoch ein Fehler anzunehmen, dass diese beiden Ansätze sich gegenseitig ausschließen. Die meisten Theateraufführungen enthalten eine Mischung aus realistischen und unrealistischen Elementen.

10- Szenografie

Es dient dazu, die Umgebung wiederzugeben, in der die Handlung entwickelt wird, das Set hat folgende Ziele:

• Legen Sie den Ton und Stil der Produktion fest.
• Stellen Sie die Uhrzeit und den Ort ein.
• Unterscheide den Realismus vom Nicht-Realismus.
• Koordinieren Sie die Landschaft mit anderen Elementen.
• Mit den Einschränkungen des Bühnenraums und des Off-Stage-Bereichs umgehen.

All diese Ziele werden in mehreren Meetings zwischen dem Regisseur, dem Bühnenbildner und dem Designteam angesprochen. Später spiegeln sich die Ideen in Skizzen wieder, die nach Revisionen, Analysen und Modifikationen die Szenografie ermöglichen, die sich am besten an die Geschichte und Vision der Kreativen anpasst.

Sobald diese Phase abgeschlossen ist, werden die Entwürfe an einen technischen Direktor übergeben, der die notwendigen Konstruktionen, Anpassungen und Installationen in dem Szenario für die Verwirklichung der geplanten durchführt.

11 - Szenario

Sie sind theatralische Ausrüstung, wie Vorhänge, Böden, Hintergründe oder Plattformen, die in einer dramatischen Produktion verwendet werden.

12- Gerät

Es gibt verschiedene Kategorien von Requisiten. Viele der Requisiten stammen aus dem Drehbuch und sind Elemente, die der Regisseur benötigt. Üblicherweise verlangt der Szenograf auch Ensemble-Requisiten wie die Möbel, die auf der Szene erscheinen, manchmal gibt es eine dünne Trennlinie zwischen dieser Art von Requisiten und der Szenografie.

Die Requisite ist ein mobiler Gegenstand, der während einer Aufführung erscheint, außer den Kostümen und der Bühne. Sie sind Artikel, die von einem oder mehreren Akteuren manipuliert wurden. Ein Buch, eine Pistole, ein Glas Wein, unter anderem.

13 - Handlungen

Sie stellen eine wichtige Abteilung in der Entwicklung der Theaterarbeit dar. Die meisten Stücke aus der elisabethanischen Zeit bis ins 19. Jahrhundert wurden von Dramatikern oder späteren Herausgebern in fünf Akten unterteilt.

Am Ende des 19. Jahrhunderts begannen viele Schriftsteller, Werke von vier Akten zu schreiben. Heute sind ein, zwei und drei Akte die häufigsten Spiele.

14- Theater (Gebäude)

Es ist der Raum, in dem Schauspieler oder Publikum zusammenkommen. Es ist wichtig, einen Bereich zu haben, in dem der Künstler oder Darsteller mit einem lebenden Publikum kommuniziert.

Die theatralischen Gebäude entwickelten sich von den Freiluftamphitheatern der Griechen und Römer zu der unglaublichen Vielfalt von Formen, die wir heute sehen. Es ist ein Raum, der den emotionalen Austausch zwischen der Besetzung und dem Publikum unterstützt.

15-Konvention

Eine Theaterkonvention ist ein praktisches Werkzeug, das der Dramatiker oder Regisseur verwendet, um die Geschichte des Theaterstücks zu erzählen. Die üblichste Theaterkonvention ist die der Charaktere, die miteinander reden und vorgeben, das Publikum nicht zu bemerken.

Oft als vierte Wand oder vierte Bildschirm Konvention bezeichnet, wird die Existenz einer (unsichtbaren) Trennung zwischen den Akteuren und dem Publikum simuliert.

Ursprünge und historische Entwicklung des Theaters

Wann das Theater begann ist genau ein Geheimnis. Die prähistorischen Jäger stellten Geschichten über ihre Jagdexpeditionen dar. Die alten Ägypter führten heilige Lieder auf und tanzten für ihre Götter in religiösen Zeremonien. Aber die Idee von Theater als dramatischer Unterhaltung kam später.

Es ist bekannt, dass die englischen Wörter für Tragödie und Komödie aus der Sprache der alten Griechen stammen. Obwohl die Griechen nicht die ersten waren, die Theaterstücke aufführten, interessierten sie sich sehr für die Ursprünge von Tragödie und Komödie.

In seinen Schriften haben der Philosoph Aristoteles und andere griechische Autoren Theorien vorgeschlagen und Hypothesen über die Entwicklung der Theaterkunst entwickelt.

Griechische Werke wurden im Freilichttheater aufgeführt. Zu Beginn waren die Theater in offenen Bereichen im Zentrum der Stadt oder an Hängen. Das Publikum bereitete sich darauf vor, zuzuhören und dem Chor zuzuschauen, wie er über die Abenteuer eines Gottes oder eines Helden singt.

Gegen Ende des 6. Jahrhunderts a. C. wurden die theatralischen Strukturen aufwendiger. Als das Theater zwischen den Städten immer beliebter und wettbewerbsfähiger wurde, wurden die Theater größer mit Strukturen, die jeweils bis zu 15.000 Menschen aufnehmen konnten.

Das Theater hat existiert, seit die Leute sich das erste Mal getroffen haben, um jemanden zu hören, der eine Geschichte erzählt. Freunde und Familie teilten sich die Verantwortung des Publikums und des Dolmetschers und tauschten Rollen aus, so lange jemand eine Geschichte teilen konnte.

Modernes Theater kann formeller sein, mit Schauspielern, die darauf trainiert sind, eine Geschichte nachzubilden, und anspruchsvollen Zuschauern, die auf eine Inszenierung reagieren, aber die Idee, Energien zwischen der Besetzung und einem Live-Publikum zu teilen, bleibt unverändert.

Referenzen

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