Was ist organische Abstraktion?

Die organische Abstraktion es ist eine Unterordnung der Abstraktion, ein Kontrapunkt zur gegenständlichen Kunst, die die große Tendenz der Mitte des 20. Jahrhunderts war. Es zeichnete sich durch seine Schematisierung von Formen aus, ohne auf das Objekt zurückzugreifen und es durch undefinierte und / oder zweideutige Formen zu ersetzen.

Einige dieser Subtendencien der Abstraktion waren die geometrische Abstraktion, die 1912 in Paris durch eine Ausstellung von Kubisten entstanden war; die anorganische Abstraktion oder der Informalismus und die organische Abstraktion, die sich von den in der Natur vorhandenen Formen ableitet, abstrahiert und synthetisiert.

Konzepte über organische Abstraktion

Es wird auch als biomorphe Abstraktion bezeichnet, da seine Haupteigenschaft darin besteht, dass es natürliche Formen annimmt, um sie in der Kunst zu erfassen.

"Abstrakt" bedeutet wörtlich "nicht figurativ". Es geht darum, die konkreten Bilder aufzubrechen und sie durch die vom Autor selbst gegebenen Bedeutungen zu ersetzen.

Das "Organische" bezieht sich auf Darstellungen, die denen in der Natur ähnlich sind, wie etwa gekrümmte Formen, abgerundete Figuren oder geglättete geometrische Figuren mit wenigen geraden Linien oder abrupten Winkeln.

Die organische Abstraktion hatte eine enge Beziehung zu den surrealistischen und existenzialistischen Strömungen und manifestierte sich in allen künstlerischen Ausdrucksformen des 20. Jahrhunderts.

Obwohl es seinen Höhepunkt zwischen den 1940er und 1950er Jahren hatte, gibt es seit Anfang des Jahrhunderts Manifestationen dieses Stils, der sich auch auf die 60er und 70er Jahre erstreckt.

Die Eigenschaften der organischen Abstraktion, wie das Vorhandensein von weichen, Wellenlinien, die Rolle der Natur, unregelmäßiger Formen und freien Linien übersetzbar sind Prinzipien, wie in die Tat sie zu jedem anderen künstlerischen Ausdruck der Zeit bewegte, wie die Literatur und das Theater.

Die organische Abstraktion hatte in Joan Miró, Jean Arp, Isamu Nuguchi, Henry Moore und andere, ihre wichtigsten Vertreter, sowohl Malerei und Skulptur, mit vielen Werken in unregelmäßigen Volumen und Kurven.

In der Architektur begann sich dieser künstlerische Ausdruck in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu entwickeln. Organische Architektur sucht und drückt die Harmonie zwischen dem Menschen und seiner natürlichen Umwelt aus; Es versucht, den Ort mit den Gebäuden, den Möbeln und dem, was sie umgibt, zu verbinden, um alles zu einer Einheit zusammenzufassen.

Der Begriff der Organizität als Nachahmung der Natur ist seit der Vorgeschichte vorhanden; aber der Begriff „organische Architektur“ auf Konstrukte definieren wurde erstmals von dem amerikanischen Architekten Louis Sullivan (1856-1924) und später wieder eingenommen und angetrieben von seinem Landsmann und Schüler, Architekt Frank Lloyd Wright (1867-1959 verwendet ).

Hauptvertreter der organischen Abstraktion

Joan Miró (1893-1983)

Er war ein katalanischer Plastikkünstler, der in den 40er Jahren, als er in New York lebte, die gesamte Abstraktionsbewegung in sich aufnahm und ständig vor Akademismus und Schubladendenken in einer bestimmten Strömung flüchtete.

In all seiner Bildarbeit schlägt das organische Gefühl stark. Die meisten seiner Werke wurden auf Papier, Keramik und Stiche und Skulpturen aus Bronze gemacht, unter denen „Frau und Vogel“, „Moon Bird“ befindet sich in der Reina Sofia Museum in Madrid und „Frau Bottle“ befindet sich in der Viera y Clavijo Kulturpark von Santa Cruz de Tenerife.

Henry Moore (1898-1986)

Es war ein englischer Bildhauer berühmt für seine abstrakten Werke der menschlichen Figur in Marmor und Bronze, vor allem diejenigen, die die Figur des weiblichen Körpers als „West Wind“ (1929) neu erstellen, geschnitzt Portland-Stein, in der Figur des Chac inspiriert Mool in Chichen Itza und die Skulpturen von Michelangelo in der Medici-Kapelle und die Bronzeskulptur "Die Liegende" in einem öffentlichen Raum in Stuttgart, Deutschland.

Jean Arp (1886-1975)

Sie verbindet die Techniken des Automatismus und des Träumens in der gleichen Arbeit und entwickelt eine Ikonographie organischer Formen, die als "biomorphe Skulptur" bezeichnet wird, in der sie das Organische als ein bildendes Prinzip der Wirklichkeit darstellen soll.

Eine seiner schönsten Skulpturen ist "Pastor de Nubes" und wird auf den Freiflächen der Universitätsstadt Caracas in Venezuela ausgestellt.

Isamu Noguchi (1904-1988)

Er war ein japanisch-amerikanischer Bildhauer und Designer. Eines seiner Werke aus rostfreiem Stahl gewann 1938 den nationalen Wettbewerb zur Ausstattung des Pavillons der Associated Press im Rockefeller Center in New York.

Später fertigte er Arbeiten für die Natur an, die nach den ästhetischen Prinzipien japanischer Gärten gestaltet wurden, wobei die Lage jedes Stückes eine entscheidende Rolle bei der Erreichung des ganzheitlichen Gleichgewichts der Landschaft spielt.

Für Noguchi Bäume waren sehr wichtig in seiner Arbeit und in seinem Leben, bis zu dem Punkt, dass in seinem Studio und wo das Ende des Jahres sein Museum eingerichtet, das Layout des Gebäudes durch die Lage der vorhandenen Bäume bestimmt.

Juan Soriano (1920-2006)

Er war ein mexikanischer Plastikkünstler, dessen Talent schon früh bekannt wurde. In den 50er Jahren reiste er nach Europa, wo sein lyrischer Stil gefestigt wurde.

Zu seinen wichtigsten Gemälden gehören "Maria Asúnsolo en Rosa" und "Apolo y las Musas", und auf der skulpturalen Ebene Figuren von Vögeln wie "La Paloma" (im Museum für Zeitgenössische Kunst in Monterrey, Mexiko), " Ente "und" Vogel zwei Gesichter ".

Barbara Hepworth (1903-1975)

Sie war eine britische Plastikkünstlerin, die stark von Henry Moores Schaffen beeinflusst war; Er hat traditionelle Materialien auf innovative Art und Weise bearbeitet, wobei den natürlichen Eigenschaften besondere Bedeutung beigemessen wurde.

Es wurde durch seine Skulpturen in Stein und Holz mit Löchern oder Löchern, wie "Sphäre mit innerer Form" und "Geflügelte Figur" charakterisiert.

Frank Lloyd Wright (1867-1959)

Er war ein Bauingenieur, der als Zeichner im Studio von Louis Henri Sullivan begann, der entscheidenden Einfluss auf seine zukünftige Karriere hatte.

Er war derjenige, der den Begriff der organischen Architektur eingeführt hat, wo die Konstruktion direkt aus der natürlichen Umgebung stammen muss. Einige seiner emblematischen Werke sind das Guggenheim Museum in New York (USA) und das Imperial Hotel in Tokio (Japan).

Constantin Brancusi (1876-1957)

Er war ein rumänischer Bildhauer, der als Pionier der Moderne galt. Es hat Werke in Museen in Frankreich, den Vereinigten Staaten, Rumänien und Australien verteilt.

Eines seiner emblematischen Bio-Werke ist "La Columna del Infinito" in Targu Jiu, Rumänien, sowie "El Beso" und "Musa Dormida".

Referenzen

1. Carmen Rábanos (2010). Aktuelle Kunst Universitätspressen von Zaragoza. Zaragoza, Spanien.
2. Mayra Sámano Cienfuegos (2010). Einfluss der organischen Architektur auf die Architekturstile der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Doktorarbeit der Autonomen Universität von Nuevo Leon, Mexiko.
3. Alicia Carrera Tovar (2012). Bildende Kunst 3. Editions Castillo. S.19.
4. Biographie von Isamu Noguchi. Wiederhergestellt von biografíasyvidas.com.
5. Biographie von Joan Miró. Von fmirobcn.org wiederhergestellt.
6. Eva Font Mendiola (2017). Das unbekannteste Museum in New York. Presseartikel von turismo.perfil.com.
7. Biographie von Frank Lloyd Wright. Wiederhergestellt von buscabiografias.com.